Catharina KulliK

Kathrin André. Bildermalerin aus Leidenschaft. Sie lebt und arbeitet am Tegernsee. Bis 2015 tätig als Innenarchitektin absolvierte Sie von 2015-2018 das Studium der Malerei und Zeichnung bei Prof. Markus Lüpertz an der AdbK Kolbermoor. Seitdem widmet sie sich ausschließlich der Malerei und nahm an zahlreichen Ausstellungen teil.

Die Werke von Kathrin André sind ein pulsierendes Spiel aus Farbe, Bewegung und Emotion. Jedes Bild trägt in sich den Willen zur Veränderung – ein Ausdruck ihrer Energie und ihres Vertrauens in den kreativen Prozess. Für sie ist Malerei kein starres Handwerk, sondern ein lebendiger Dialog zwischen innerem Empfinden und äußerem Ausdruck.

Ihre Bilder entstehen oft aus Skizzen mit Kreide, Kohle oder Bleistift; inspiriert von eigenen Fotografien. Sie arbeitet dort, wo das Licht sie trägt. Im Sommer in Italien, im Winter im Norden, dazwischen am Tegernsee. Die Leinwände bereitet sie vor mit leuchtenden Acrylfarben. Diese Farbschichten bleiben im Hintergrund lebendig und verleihen ihren Werken Tiefe und strahlende Akzente.

Bevor wasserlösliche Ölfarben auf die Leinwand kommen, legt sie eine erste Komposition an. Dann beginnt ein ständiger Wandel: Farben werden aufgetragen, verwischt, mit Lappen oder Schwamm entfernt, verändert und wieder neu gesetzt. Und wenn der Pinsel nicht ausreicht, greift sie zu ihren Fingern, um Formen und Inhalte so lange zu modellieren, bis sie spürbar werden. So entstehen Werke, die sich nicht erklären lassen wollen, sondern erlebt werden müssen.

Verfügbare Arbeiten

Irmgard Merkens lebte und arbeitete bis 2025 in Berlin. Heute lebt sie in Nordrhein-Westfalen. Nach 10-jähriger Tätigkeit in der Chemotechnologie absolvierte sie ein Studium an der Hochschule der Künste Berlin (1979–1984). Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit wirkte sie als Dozentin für Malerei und engagierte sich in renommierten Künstlergremien, unter anderem als Vorsitzende des Vereins der Berliner Künstlerinnen.

Merkens setzt sich intensiv mit der Darstellung des Menschen auseinander. Ihre Arbeiten in Acryl, Kreide, Pigment und Graphit zeigen Alltagsszenen, Begegnungen und Reiseeindrücke. Besonders ihre Werke aus den 1980er und 1990er Jahren zeichnen sich durch unmittelbare Präsenz und präzise Beobachtung aus. Sie entwickelte eine eigene Bildsprache, die Beobachtung und Verdichtung miteinander verbindet.. In Porträts und Alltagsszenen – häufig in urbanen oder öffentlichen Räumen – entsteht eine poetische Balance von Distanz und Nähe.

Die hier präsentierten Bilder aus dieser Zeit reflektieren Reisen nach Kanada, Ungarn und Japan und verbinden äußere Eindrücke mit inneren Resonanzen. Menschen erscheinen darin zugleich nah und entrückt, eingefangen in Momenten stiller Präsenz. Farbe und Linie sind reduziert, doch von großer Ausdruckskraft. So werden die Werke zu poetischen Notaten, die das Flüchtige festhalten und zugleich eine allgemeine menschliche Erfahrung sichtbar machen.

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Stefano Bosis, geboren in Mailand, lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Digitale Kommunikation an der Akademie der Bildenden Künste in Mailand und sammelte vielseitige Erfahrungen in Theater, Street Art, Film und Digitalmedien, bevor er sich der Malerei widmete, die er zu seiner Kerndisziplin machte.

Bosis’ Werk bewegt sich an der Schnittstelle von Expressionismus, Surrealismus und Abstraktion – seine großflächigen, leuchtenden Ölgemälde wirken wie Seelenlandschaften, in denen Traum, Emotion und Realität verschmelzen. Er erschafft Szenen, die zwischen Kindheitserinnerung und metaphysischer Vision oszillieren: fliegende Teppiche, Sterne, Umarmungen, die ins Kosmische wachsen.

Seine Technik basiert auf kraftvoller, fast körperlich erfahrbarer Farbmalerei. Ölfarbe breitet sich wie lebendige Energie über die Leinwand, formt leuchtende Lava oder tropfende Körperlichkeit – intensiv, impulsiv, emotional aufgeladen. Immer mehr vollzieht er eine Transformation hin zur Abstraktion, in der reine Farbe, Rhythmus und emotionale Übertragung im Vordergrund stehen.

Seine Bilder eröffnen ein Seherlebnis, das intuitive Einfühlung mit expressiver Dichte verbindet und zugleich zu emotionaler Resonanz einlädt.

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Karol Broniatowski, lebt und arbeitet in Berlin. Geboren in Łódź, wurde er früh durch seine „Zeitungspapierfiguren“ bekannt, mit denen er Polen auf der Biennale von Venedig 1972 repräsentierte  . Kern seines Werks ist die Erforschung des Menschen in seiner körperlichen Präsenz – stets in Bewegung, fragmentiert, doch von beständiger innerer Dynamik  . Gezeigt werden beeindruckende Bronzeskulpturen sowie drei aktuelle Gipsplastiken, die seine kraftvolle, figürliche Sprache in unterschiedlicher Materialität erlebbar machen.

Broniatowskis prozessuales Denken zeigt sich in seinen Figuren: Form entsteht im Schneiden, Wegnehmen und Verändern – je weiter die äußere Gestalt sich auflöst, desto deutlicher tritt die innere Aussage in Erscheinung . Seine Skulpturen in Bronze verdichten diesen Ansatz; sie erscheinen als Momentaufnahmen eines fortwährenden Gestaltungsprozesses.

Neu sind die drei Gipsplastiken. Gips ist für Broniatowski nicht nur ein klassisches Modellmaterial – vielmehr bietet es eine unmittelbare, rohere Haptik als Bronze und spannt eine eigenständige Brücke zwischen Formfindung und Ausdruck. Die Kombination von Bronze und Gips schafft einen spannungsvollen Materialdialog: Die Gipsplastiken lassen den kreativen Moment und die rationale Bearbeitung gleichzeitig spüren – Transparenz, Fragilität und rohe Direktheit treffen auf nachhaltige Präsenz und dauerhafte Form.

Broniatowskis Werk ist geprägt vom Wechselspiel zwischen Positiv und Negativ, Figur und Formverlust sowie dem Übergang vom Innen zum Außen.  Seine Arbeiten laden dazu ein, diesen Übergang nicht nur visuell, sondern haptisch nachzuvollziehen – spürbar in Bronze, sichtbar im Gips.

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Fabiana Gabaskallás lebt und arbeitet in Sao Paulo. Sie ist  Ärztin und schon immer auch Künstlerin – und entwickelte eine Praxis, die wissenschaftliche Präzision mit künstlerischer Imagination verbindet. Sie sagt über sich: „Vielleicht kann ich irgendwann einmal aufhören, als Ärztin zu arbeiten.  Ich werde aber niemals aufhören zu malen. Vielleicht sterbe ich einmal malend….“.

Gabaskallás arbeitet in großen Formaten mit leuchtenden Acryl- und Ölfarben. Ihre Bilder haben eine Präsenz, die über das visuelle Erleben hinaus spürbar ist. Sie zeigen Gärten, Urwälder, Blumen. Daneben beschäftigt sich Gabaskallás mit historischen Begebenheiten.

Mit den hier gezeigten Kinderporträts greift   Sie ein vergessenes Kapitel portugiesisch-brasilianischer Kolonialgeschichte auf. Für diese Arbeiten entwickelte Sie eine besondere Technik, trägt Farbe auf und nimmt sie wieder ab. Sie erzielt damit Vielschichtigkeit und Leichtigkeit zugleich. Fast muten sie wie Ahnenporträts an.

Fabiana Gabaskallás Arbeiten sind in zahlreichen internationalen Sammlungen vertreten.

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